CREAMUS

Nous travaillons depuis trois ans dans la ville de Chambéry, en France, sur une expérience de pratique musicale collective pour jeunes enfants dans le cadre de l'école publique.

Dans notre projet, un « orchestre électroacoustique » est constitué d'un groupe de douze enfants. Ils se servent de « gamepads » (consoles équipées de boutons et de « joysticks », habituellement utilisés pour jouer des jeux vidéos) afin de produire et manipuler des sons gérés par un ordinateur.

Un «orchestre» est accompagné et animé par une équipe de deux pédagogues, dont l'un gère les aspects techniques du dispositif pendant que l'autre, spécialiste en pédagogie, mène le travail du groupe.

Nous avons commencé par une phase de réflexion autour des objectifs que nous nous fixions et des solutions pour les atteindre.

• Une expérience pédagogique adaptée à l'âge des élèves : le projet devait se présenter de manière engageante et ludique aux enfants de l'école primaire, et ne présumer aucune expérience musicale préalable.

• Un projet centré sur l'écoute : le projet devait exiger une écoute attentive, même aux sons inhabituels, pour que les enfants établissent des discriminations significatives entre les sons, et qu'ils fassent un lien entre leurs manipulations de leur « instrument » et le résultat dans le son produit collectivement.

• Une expérience de pratique collective : Cela signifiait pour nous que les enfants devaient certes faire de la musique « en groupe », mais plus précisément que chaque élève devait pouvoir tenir un rôle spécifique et diffèrent de celui des autres, au sein de l'ensemble. Il s'agissait de placer les élèves dans des fonctions précises et particulières comme on peut l'observer parmi les divers pupitres d'un orchestre classique.

• L'exigence artistique : Les notions de « qualité » et d'« exigence » pour cette pratique musicale collective sont essentielles. Nous savons qu'une expérience significative de pratique collective ne peut exister dans un contexte de « n'importe quoi ». Nous avons donc cherché à créer un dispositif dans lequel « l'orchestre » travaille dans une direction claire et objectivement évaluable, un contexte où les actions musicales de chaque enfant peuvent être qualifiées en tant que « mieux » ou « moins bien » par rapport à l'objectif énoncé.

• L'expression personnelle : Pour autant, nous voulions donner toute sa place à l'expression individuelle. Tout en travaillant sur l'« objectif du groupe », les enfants devaient aussi avoir des choix dans une diversité de possibilités musicales « permises », et pouvoir faire entendre leur propre goût et leur capacité d'invention. Par conséquent, nous avons mis en place des « improvisations structurées » plutôt que des partitions rigoureusement définies, afin de ne pas cantonner les enfants à un rôle de simple exécutant censé manipuler des machines de façon « correcte ». L'idée est bien de laisser un espace à la sensibilité et au choix individuel.

• L'ouverture culturelle : Nous travaillons avec des enfants de diverses origines, ethnicités et croyances. La direction du conservatoire, et nous-mêmes à titre personnel, mettons une priorité sur l'ouverture vers des cultures diverses. Les matériaux musicaux de notre projet représentent donc au minimum ce qui en anglais s'appelle un «teachable moment », c'est-à dire une opportunité pédagogique de donner aux élèves un contact ludique avec des musiques de diverses cultures.

Le projet que nous employons actuellement avec les enfants peut être décrit comme un « jeu musical » d'improvisations structurées autour des sons de quatre cultures musicales étrangères (étrangères au moins pour nous et pour la plupart de nos élèves).

L'orchestre est divisé en quatre « équipes » de trois enfants, dispersées en îlots autour de la pièce. Chaque équipe correspond à une région du monde : le Japon, l'Inde, l'Afrique du nord, et l'Afrique au sud du Sahara.

Un des enseignants, aussi muni d'un gamepad, est situé au milieu de la pièce et représente le « Port ».

Le jeu commence avec l'enseignant qui joue « le port ». Son gamepad est programmé pour « jouer » autour de seize extraits de voix parlées de langues diverses. Après un petit « concert » dans lequel il manipule les sons de ces divers langues, le « maître du port » choisit un pays à visiter et lance une chanson. Une chanson unique est associée à chacune des quatre régions ; les élèves sont censés apprendre à reconnaître « leur » chanson et mémoriser suffisamment sa structure pour savoir exactement où elle se termine.

Précisément à la fin de cette chanson, c'est au tour de l'équipe sollicitée d'offrir un petit « concert » des musiques de son pays. Dans chaque équipe de trois enfants, deux joueurs tiennent le rôle que nous appelons « sons bruts », c'est-à-dire qu'ils produisent des sons de base, et un joueur tient le rôle de « passeur ». Les gamepads des « sons bruts » leur permettent de faire un choix parmi huit sélections des musiques de leur région : certaines sélections sont des sons des instruments seuls comme le veena ou l'oud, d'autres sont des chansons ou des formes musicales plus complexes telles que le kabuki ou le raga. Qui plus est, leur gamepad leur permet de manipuler ces sons de différentes manières.

Le « passeur », lui, a la possibilité de modifier davantage les sons produits par les autres joueurs en utilisant des filtres. Il détermine également le moment où le petit « concert » de son pays doit se terminer et la direction que doit prendre le jeu.

Pour finir le concert de son équipe, le passeur effectue un choix parmi trois sons différents, soit une chanson qui renvoie le jeu vers le « port », soit des sons d'animaux spécifiques (baleines, lions, éléphants ou chameaux) pour renvoyer le jeu vers le « pays » de sa droite ou sa gauche. Une session de jeu passe d'équipe en équipe dans une séquence libre, en fonction des choix faits en temps réel par le « maître du port » et par les quatre passeurs, intercalée par les petits « concerts » des diffèrent pays visités.

Une fois que les enfants maîtrisent les mécaniques de base de leur gamepad et du « jeu », notre travail se concentre sur l'intérêt de ces concerts. Lors des séances suivantes, nous commençons alors à parler de façon simple des notions de gestion d'un temps musical, de répétition, de contraste, de combinaison, de niveaux d'énergie musicale, etc., en accompagnant les enfants dans leur recherche pour améliorer leurs « concerts ».